Comment Matisse en multipliant les techniques a touché l'abstraction ?

Henri Matisse est né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le 3 novembre 1954 à Nice. Il est artiste-peintre, dessinateur et sculpteur français. Matisse était considéré dans la catégorie des artistes figuratifs. Bien qu'il se soit rapproché de divers styles durant sa carrière, un artiste ne se limite ni à un style ni à une technique. Matisse n'a jamais cessé d'innover. Il a été beaucoup regardé, il a également influencé l'art et les artistes. 

L'art de Matisse marque une transition entre l'art du XIXème siècle et l'art abstrait. L'art de Matisse est également un pont entre le figuratif/post impressionnisme et l'art abstrait.

Vers 1900-1904, Matisse fait ses études au Beaux Arts. Plus tard, il fera un voyage en Bretagne et y découvrira les oeuvres de Van Gogh et Gauguin ainsi que les apports du pointillisme. C'est alors que Matisse peint Luxe, Calme et Volupté. (ci-dessous)

Cette oeuvre est révélatrice de la technique de ré-interprétation du pointillisme de Matisse. On remarque dans cette toile : 

- la juxtaposition de tâches (tirets) et non de points colorés                                                       - une composition très organisée (la construction, l'ordonnance des formes, des lignes et des courbes)                                                                                                                               - la fonction des tâches sert à retranscrire non pas le réel mais les effets invisibles de la lumière - l'usage du cerne noir (ex : le halo rouge sert à matérialiser la chaleur)                                       Seulement on remarque un éloignement du réalisme (les nuages sont réduits à des formes compactes et abstraites), de l'impressionnisme (la couleur ne sert pas seulement à livrer une vision sensuelle de la réalité) et du pointillisme (la couleur ne sert pas à délivrer une vision scientifique de la réalité).

Cette "nouvelle" technique du pointillisme est empruntée à Signac. On se trouve face à des tâches et non plus à des points comme chez Seurat. 

On comprend donc que pour Matisse, la couleur est très importante et qu'elle est un moyen d'expression à part entière. C'est donc vers 1904-1906, que la quête de l'expression de la couleur commence. C'est au salon d'Automne que les couleurs éclatantes font scandale près du public.Les oeuvres exposées rompent avec le romantiqme de l'impressionnisme et avec la rigueur du pointillisme. Le tableau qui fit grand scandale lors de ce Salon fut La femme au chapeau. 

Les couleurs irréalistes de ce tableau font sa particularité. Ce sont ces couleurs vives qui font fureur et scandale près du public. Matisse ne conserve aucun ton local, notamment la couleur de la chair. On voit le visage de cette femme parsemé de couleurs aussi vives les unes des autres. En fait, Matisse ne peint pas ce qui doit être, mais ce qu'il voit au moment où il peint. Si la lumière fait en sorte que la joue de cette femme apparaisse d'une couleur rougeâtre alors Matisse la peindra la joue rougeâtre. On voit ici, apparaître la naissance du fauvisme. 

Pour finir sur cette quête de la couleur, le tableau Le Bonheur de vivre ou appelé également La Joie de vivre illustre bien tout ce travail sur la couleur que nous livre Matisse.

Cette oeuvre représente un paradis naturel où tout n'est que sensualité. Matisse traite la couleur par aplats dans ce tableau. C'est la couleur qui organise à elle seule l'espace. Les couleurs sont brossées, elles sont scandées par des lignes sinueuses.                                                         On remarque une superposition verticale de trois plans colorés : le rose qui représente le ciel, le bleu qui, lui, représente la mer et pour finir le jaune qui représente la terre. Il n'y a pas de perspective géométrique mais la profondeur de l'espace est donnée grâce à ces trois plans colorés. 

On pourrait faire un parallèle de cette oeuvre avec l'oeuvre de Manet, le Déjeuner sur l'herbe. Effectivement, il n'y a pas de perspective géométrique non plus dans le tableau de Manet. Par contre on remarque qu'il n'y a pas d'identité sexuelle stricte dans le tableau de Matisse, ce qui n'est pas du tout le cas dans le tableau de Manet où la sexualité des corps est plus que repérable. 

Matisse s'éloigne de l'impressionnisme.

Pour finir, vers 1908-1910, Matisse s'attarde sur l'étude des champs colorés. C'est donc en 1908 que Matisse peint Les baigneuses à la tortue.

Ici on remarque une référence aux aplats colorés du bonheur de vivre. Seulement, il n'y a pas de décor. Ce dernier se réduit aux trois plans colorés : le vert qui représente la terre, le bleu, la mer et le vert/bleu foncé le ciel. Ici c'est une une perspective non plus géométrique mais physique que l'on retrouve. Matisse se rapproche de l'abstraction mais on y est pas encore car l'on reconnaît encore très bien les corps des femmes et la tortue.                                                   Il y a un va-et-vient symbolique entre la planéïté du décor et le volume corporel. mais également un va-et-vient entre le monde spirituel et le monde du peintre.

(suite concernant l'abstraction à venir...)